" Una civilización literaria no se construye a base de lecturas, sino de relecturas; quizá hasta una civilización a secas.[...]Releer es esa alianza discorde, reencontrar, reconocer y descubrir a la vez; encontrar lo que la lectura anterior o incluso alguna otra lectura no nos había revelado. El libro releído nos ofrece algo que ninguna lectura, por precisa que sea, podía darnos"./Giorgio Manganelli, 1990

lunes, 30 de junio de 2008

EL NUEVO MUSEO DE MANHATTAN




En el 235 de Bowery Street,una zona degradada pero en plena recuperación del bajo Manhattan, se acaba de inaugurar la nueva sede del New Museum of Contemporary Art, realizado por los arquitectos japoneses, Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa.

El edificio está construido con siete "cajas" superpuestas de forma descentrada, de distintas dimensiones y alturas con lo que resulta una construcción dinámica por la forma y luminosa tanto por el revestimiento utilizado como por la estudiada distribución de las entradas de luz.





















Exteriormente semeja una escultura abstracta de agudas aristas y netos volúmenes en cuidado equilibrio, por su cualidad de objeto tridimensional es el espacio, pero sus calidades arquitectónicas, espaciales, brillan en el interior donde las salas están al servicio de la concentración del espectador en un museo cuyo objetivo es ser un recipiente para las formas, los soportes y las ideas en ebullición que prefiguran el arte más contemporáneo.

Los arquitectos se han limitado, de partida, los elementos constructivos al máximo para lograr la mayor intensidad expresiva de los mismos, reduciéndo su búsqueda a la singularidad del espacio, la armonía de proporciones y volúmenes y a la calidad de la luz.

El New Museum, fue fundado en 1977 en el West Village por la comisaria Marcia Tucker* con el objeto de promover el arte casi en proceso de élaboración. Ahora abre su nueva sede para en ella seguir siendo un lugar de experimentación contínua , donde tengan cabida las últimas ideas y las obras expuestas hagan cuestionarse una y otra vez la pregunta revitalizadora desde Duchamp , de qué es arte y perpetúen la actitud provocadora "antiarte" del cada vez más imprescindible y vivo Duchamp . Y esa eterna cuestión funcione como un acicate para mantener vivo tanto el arte como el museo, en sentido general, que en esta sociedad del espectáculo corre el peligro de convertirse en un parque temático más.


En Nueva York la oferta de museos es importante. Sin olvidar el fantástico en el sentido pleno de la palabra a pesar de que sus objetos pertenecen a las ciencias naturales, como los dinosaurios, lleno de imaginación y sentido de la aventura,el American Museum of Natural History, los museos dedicados al arte tiene una calidad que va a la par con la cantidad.

El Metropolitam, el Guggenheim, el Whitney, el MoMA, y alguna fundación donde la concentración de belleza y calidad son de gran intensidad como la, menos visitada, Frick Collection,forman un conjunto inolvidable.

Las colecciones del Metropolitan lo abarcan todo. Desde muestras de arquitectura egipcia a una colección de arte griego innumerable, hasta el Retrato de Gertrude Stein de Picasso, por citar algo o la colección de armaduras medievales y modernas que el más soñador caballero adolescente pudiera soñar; el Whitney, cuya sede la construyó es obra del arquitecto de la Bauhaus Marcel Breuer, pero que también necesita expandirse y ya cuenta con un proyecto de Renzo Piano, es el museo de la pintura americana por excelencia. Desde Hooper traza un arco que abarca todo y finaliza hoy con la artista más vanguardista y veterana del mundo Louise Bourgeois, de origen francés pero cuya obra más significativa se ha desarrollado en Nueva York.


¿Qué diferencia hay entre el MoMA y el New Museum? El Museo de Arte Moderno alberga la historia de la modernidad desde el siglo XIX,mientras el New Museum, acoge el arte actual el más inmediato, incluso el que se cuestiona (¿pero ésto es arte?) y todavía no ha "entrado" en el museo.Pero desde el MoMA Las señoritas de Aviñón, a pesar de tener ya (1907) más de cien años, siguen provocando como si pertenecieran al New Museum.






PD,  5 nov 2013
En el tiempo transcurrido desde el post se ha podido leer la recomendable  autobiografía de Marcia Tucker: 40 años en el arte neoyorquino,  editada  por Turner, 2009, en la que cuenta la aventura que supuso  crear un laboratorio para  las nuevas tendencias artísticas en los años setenta. Fue el inicio del del New Museum cuyo luminoso edificio la autora no pudo conocer terminado.

sábado, 28 de junio de 2008

UN GOYA VERDADERO

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La polémica está abierta, es de suponer que por poco tiempo porque parece que las razones que se dan para descatalogar de la obra de Goya El Coloso, son definitivas.

Estaban a la vista, que lo han estado siempre. Pero la reverencia acrítica paraliza. Que Goya técnicamente era un gran pintor y un gran dibujante. Parece ser que cuando se decidió que El Coloso pertenecía a Goya, en los años cuarenta del siglo XX, el argumento más convincente fue el iconográfico:  una imagen tan potente sólo Goya era capaz de concebirla en aquel tiempo. Y no se reparó en más.

Pues se ve que no.Que alguien tan secundario como Julio Asensio, algo debió aprender del Goya monumental, maestro y amigo.Los peros estilísticos que desechan a El Coloso como obra de Goya se pueden enumerar a grandes rasgos:

1810-121. óleo/lienzo. 116 x 105. Museo del Prado. (pulsar para aumentar imagen)


Segun los representantes del Museo del Prado, las investigaciones de Manuela Mena especialista y responsable de la obra de Goya, el cuadro plantea serias dudas, por:


Estudio radiográfico, demuestra un gran pentimento,impensable en Goya muy seguro siempre y con el cuadro en la cabeza antes de iniciarle: La figura del Coloso estaba en principio de frente,no hay precedentes en Goya de una corrección de esa envergadura,

El paisaje, se supone que eran los Pirineos, si el coloso es Napoleón como se ha interpretado amenazando a España, pero Goya era bastante naturalista en la plasmación de paisajes y éste no lo es,
La anatomía, del Coloso y de las figuras de animales, no se corresponde con el dominio anatómico que demuestra Goya poseer en sus cuadros, aguafuertes o dibujos más seguros.

Las figuras pequeñas, hombres, animales tartana, de factura pictórica mediocre,
La perspectiva, Goya la dominaba y era cuidadoso con ella, en las relaciones entre las figuras según las distancias, las proporciones...
- Además José Luis Díaz, conservador jefe de Pintura del XIX, interpreta unos trazos no como Niegel Glendining (catedrático emérito de la Universidad de Londres y uno de los especialistas más respetados en Goya) que veía en ellos un XVIII,sino como las iniciales "AJ", probablemente Asensio Juliá, discípulo y colaborador de Goya en los frescos de San Antonio de la Florida, y amigo del pintor de Fuendetodos y a quien éste retrató.



El Gigante. 1818. aguatinta 29 x 21MoMA (pulsar para aumentar imagen) 
Muy distinta la fuerza y precisión con que está trazada esta figura que si no estuviera datada posteriormente se podría pensar había servido de inspiración al autor de El Coloso.


                        Retrato del artista Asensio Juliá.h 1798 óleo/lienzo 54 x 41. Thyssen (pulsar para aumentar imagen)



Este cuadrito de Goya es el que ha salido vencedor de toda la refriega de devoción y eruditos a la violeta ,llamando así a los que en un principio adjudicaron la obra a Goya.Todos los focos se han puesto sobre él y han hecho pensar en su emotiva belleza.
En muchos sentidos. Asensio Juliá, llamado El Pescadoret, nacido en Valencia en 1748 y con una relación tan estrecha con Goya que este llegó a retratarle,como un artista artesano, junto a unos andamios ¿los de San Antonio de la Florida?,y en el suelo los "trastos de pintar" y algun cascote de la obra,es el ganador. En la parte inferior izquierda del cuadro se puede leer "Goya a su amigo Asensi".
Y el cuadro una vez que atrae la atención sobre él resulta de una belleza fascinadora, por su sencillez y calidad pictórica.Por la composición, por el colorido, por la técnica de pinceladas muy sueltas, por las luces, de intensidades muy variadas y sin embargo armonizadas que crean un ambiente acabado, recogido en sí mismo, objetivando lo que es : una realidad aparte .
Sobre el juego de luces y sombras de indudable calidad en su capacidad de sugerir, los tonos marrón oscuros con orlas azules de la bata del pintor, el rostro girado hacia las luces difusas de la derecha, la mirada pensativa. Resulta una figura frágil, sensitiva y atrayente y la existencia de el cuadro mismo demuestra sin duda que Goya le apreciaba.


Link relacionado:
Un GOYA polémico

viernes, 27 de junio de 2008

Cy TWOMBLY: percepciones,sensaciones, emociones...

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                                                 El paso del invierno, Luxor, 1985.54 x 105 x 51.madera y clavos pintados.











Las recreaciones de la batalla de Lepanto, realizadas por el artista norteamericano Cy Twombly para la bienal de Venecia de 2001, "dialogarán" en el Museo del Prado con otros tradicionales cuadros de batallas. El Lepanto de Twombly estará representado por 12 lienzos de gran formato en los que el artista plasma su visión de la batalla que en 1571 se celebró en el Golfo de Lepanto (en el Peloponeso) entre la Liga Santa (España, Venecia y el Papado) contra los turcos que dominaban el Mediterráneo y amenazaban Europa por el Este.Los turcos fueron derrotados pero en la batalla Cervantes perdió un brazo y al regreso fue hecho prisionero en Argel.


  • Cy Twombly nació en Lexington (Virginia) en 1928. Estudió en varias universidades (Washington, la Lee University de Lexington...) En 1952 conoce a Robert Motherwell, Franz Kline en Black Mountain Collage (Carolina del Norte) y el mismo año viaja con Robert Rauschenberg a Europa y Marruecos. Tras una estacia en Roma vuelve a Nueva York, donde realiza sus primeras exposiciones. Desde 1957 vive en Roma.
  • Twombly está  en el centro del expresionismo abstracto y en cierto sentido es discípulo de Motherwell, pero él toma su propio camino, un camino poco transitado, secretamente figurativo, en el que como quería Klee saca a pasear a la línea, por el espacio que es todo el soporte utilizado, generalmente papel y donde suenan ecos lejanamente orientales. 
Con frecuencia toma la escritura como objeto plástico en representaciones sólo aparentemente bidimensionales. Emplea el color con un refinamiento sorprendente y crea con él huellas de formas sobre planos de luz ilimitados en los soportes blancos. 
Plasma el trazo o la mancha con vigor y crea formas que se metamorfosean cargadas de energía y movimiento. A veces refiriéndose a los dibujos de Twombly se ha llegado a hablar de garabatos pero elevados a un grado de emoción, belleza y elegancia difícil de expresar con palabras. Consigue representaciones de refinada belleza en las que emergen muchas veces los mitos clásicos y otras referencias de profunda e interiorizada cultura. Es también un importante y original escultor.
Dice Twombly:
"La inocencia es blanca. Puede consistir en el estado clásico del intelectual o en un mundo neorromántico de recuerdos o bien en la blanca inocencia simbólica de un Mallarmé. No es posible examinar con exactitud el significado y contenido actual de la inocencia. No obstante ella constituye el paisaje de mis acciones y tiene que significar algo más que una mera elección."
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.La exposición se inauguró en el Museo del Prado el 26 de junio y permanecerá hasta mediados de septiembre.
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PD. añadida en recuerdo de CY TWOMBLY:
con Cy Twombly se inició Paralajes365.en 2008. El gran expresionista americano murió en Roma el 5 de julio de este año, 2011. Otras obras  :












y frente a ellas sigue siendo válida la reflexión hecha anteriormente, que se iniciaba:
Twombly vive en el centro del expresionismo abstracto y en cierto modo es discípulo de Motherwell, pero él toma su propio camino, un camino poco transitado, secretamente figurativo, en el que como quería Klee saca a pasear a la línea, por el espacio que es el soporte utilizado, generalmente de papel, y donde suenan ecos lejanamente orientales... etc



Links relacionados:
Cy Twombly: Una Tragedia Romana

El Horror del Arte Contemporáneo